Capitaine Flam

 

Fiche technique

• Titre original : Captain Future (キャプテン・フューチャー, Kyaputen Fyūchā)

• Titre français : Capitaine Flam

• Type : Série télévisée d’animation japonaise

• Genre : Space opera / Science‑fiction / Aventure

• Studio : Tôei Animation

• Réalisation : Tomoharu Katsumata et équipe

• Diffusion originale : NHK (Japon, 1978‑1979)

• Diffusion française : TF1, dès le 7 janvier 1981 dans Les Visiteurs du mercredi

• Épisodes : 52 (13 histoires de 4 épisodes)

• Musique : Yuji Ono, Etsuko Yamakawa, générique français : Jean‑Jacques Debout

• Doublage français : Philippe Ogouz (Capitaine Flam)

Résumé

Curtis Newton, fils de scientifiques travaillant sur une station lunaire, devient Capitaine Flam après la mort tragique de ses parents.

Élevé par trois compagnons :

• le professeur Simon Wright, cerveau conservé dans un robot volant,

• Crag, robot géant à la force colossale,

• Mala, androïde capable de changer d’apparence,

il consacre sa vie à défendre la paix dans l’univers.

À bord du Cyberlabe, il mène des missions pour le gouvernement intersidéral, accompagné de Johann Landore, agent secrète amoureuse de lui, et du jeune Ken, orphelin téméraire.

Chaque aventure explore un monde différent, mêlant science, morale et humanisme : la supériorité de l’esprit sur la force brute, la curiosité scientifique, et la quête de justice.

🌌 Analyse / Thèmes

Capitaine Flam est un space opera humaniste.

Loin des batailles spatiales sans âme, la série valorise la raison, la connaissance et la compassion.

Curtis Newton n’est pas un guerrier : c’est un scientifique, un explorateur, un philosophe de l’espace.

Le dessin animé, produit par Tôei Animation, se distingue par :

• une structure narrative claire (13 histoires indépendantes),

• une science vulgarisée et accessible,

• une musique emblématique, devenue culte en France,

• et une esthétique rétro‑futuriste qui garde son charme malgré le temps.

La série a marqué toute une génération, arrivant juste après Goldorak sur TF1, et s’imposant comme un modèle de science‑fiction éducative.

📖 Clin d’œil au roman d’origine

Le dessin animé est directement inspiré des romans pulp américains Captain Future écrits par Edmond Hamilton dans les années 1940.

Ces récits, publiés dans les magazines de science‑fiction, mettaient déjà en scène Curtis Newton et ses compagnons dans des aventures interplanétaires.

Hamilton, figure majeure du genre, y développait une vision optimiste et rationnelle de la science :

la connaissance comme arme contre le chaos.

L’adaptation japonaise conserve cette philosophie :

elle traduit en images la foi dans le progrès, la curiosité scientifique, et la morale du héros éclairé.

Le passage du roman au manga‑animé illustre parfaitement la fusion entre la culture pulp américaine et l’imaginaire japonais des années 70.

💬 Pourquoi le revoir ?

Parce que Capitaine Flam reste un chef‑d’œuvre de science‑fiction populaire, à la fois naïf et visionnaire.

Il parle de valeurs universelles : courage, intelligence, loyauté, et respect de la vie.

Et parce que son générique, signé Jean‑Jacques Debout, est devenu un symbole de toute une époque.

C’est une série qui a su vieillir avec élégance, gardant son charme et son message :

« Ce n’est pas la force qui fait le héros, mais la sagesse. »

🪶 Conclusion

Entre le roman d’Edmond Hamilton et l’anime de Tôei Animation, Capitaine Flam incarne la renaissance du space opera humaniste. Un pont entre deux cultures, deux époques, et une même idée : la science au service du bien.

Un héros sans cape, mais avec un idéal. Un dessin animé qui, encore aujourd’hui, nous rappelle que l’avenir appartient à ceux qui pensent avant d’agir.

Votre serviteur : Lorenzo Garnieri

Le tombeau des lucioles

 Titre original : Hotaru no Haka

Année : 1988

Réalisateur et scénariste : Isao Takahata

D’après la nouvelle de : Akiyuki Nosaka (1967)

Studio : Studio Ghibli

Musique : Michio Mamiya

Résumé

En 1945, à Kobe, Seita et sa petite sœur Setsuko perdent leur mère lors d’un bombardement américain. Le père est au front. Livrés à eux-mêmes dans un pays à l’agonie, ils tentent de survivre entre décombres, faim et indifférence ambiante. Malgré la misère, leurs éclats de joie et d’imagination créent des bulles de lumière dans un monde qui s’effondre. Leur histoire avance comme une chandelle au vent : belle, fragile, tragique.

Contexte et genèse

Le film est adapté d’une nouvelle autobiographique d’Akiyuki Nosaka, qui a perdu sa sœur durant la guerre. Il considérait le texte comme “inadaptable” tant la douleur était intime. Après avoir vu le scénario de Takahata, il a approuvé le projet, estimant que le film serait l’hommage le plus juste que sa sœur puisse recevoir.

Takahata, lui-même marqué par les bombardements qu’il a vécus enfant, a voulu un film non pas accusateur, mais profondément humain, débarrassé de tout manichéisme. Son but était de montrer la guerre comme une mécanique qui broie les plus vulnérables.

Tournage et production

C’est l’un des rares films du studio Ghibli à ne pas être réalisé par Miyazaki, et aussi l’un des plus réalistes. Le jour de sa sortie au Japon, il partageait l’affiche avec Mon Voisin Totoro. L’idée était de proposer un duo contrasté : un film sombre et un film lumineux. Si tous deux ont souffert au box-office, ils ont fini par devenir cultes.

Isao Takahata a choisi une animation volontairement sobre, refusant l’excès de mouvement ou le charme habituel de Ghibli. Il voulait un style presque documentaire, fondé sur l’observation, la lenteur et la retenue. Les décors, les objets, les vêtements et les ruines de Kobe ont été reconstitués d’après des archives de l’époque. Chaque geste des enfants, comme jouer, gratter une boîte de conserve, se laver dans la rivière, a été pensé comme une mémoire fragile de la vie quotidienne en temps de guerre.

La musique, discrète, n’envahit jamais l’image. Elle souligne sans commenter. Takahata tenait à ce silence : pour lui, la guerre est faite de creux, d’attentes et de sons étouffés.

Thèmes et portée

Le film aborde la guerre par l’intime : pas de batailles, pas de stratégie militaire, seulement deux enfants confrontés à l’injustice, à la solitude et à la lente désagrégation du monde adulte. À travers eux, il explore la responsabilité collective, l’indifférence sociale, l’amour fraternel comme dernier refuge, et la fragilité de l’enfance face à la violence historique. Le Tombeau des lucioles demeure, encore aujourd’hui, l’une des œuvres les plus puissantes sur la guerre et sur ses victimes invisibles.

À voir pour

Un film d’animation d’une intensité unique, bouleversant mais jamais appuyé. Une ode à la dignité et à la tendresse dans un monde brisé. Takahata signe une œuvre humaniste, inoubliable et absolument essentielle.

Votre serviteur Lorenzo Garnieri

Les Maîtres du Temps

Fan de bd et de science fiction je ne peux que vous que vous recommander ce dessin animé dont la réalisation est signée Renée Laloux et les dessins par le maître Moebius.

Très années 80, cette adaptation de "l'Orphelin de Perdide", roman de Stefa Wul, nous raconte l'histoire de Piel, petit orphelin perdu sur la planète Perdide suite au décès de son père et qui doit survivre dans un territoire hostile en attendant l'arrivée des secours.

La première fois  que j'ai vu "Les Maîtres du temps" je devais avoir 7 ou 8 ans. A l'époque ce fut une claque magistrale, aussi bien visuelle que scénaristique. Et c'est toujours avec plaisir mais non sans une pointe de nostalgie que je revois cette oeuvre de l'animation française, puisque produite par TF1 et Télécip (racheté depuis par Telfrance en 1993)  

Seul bémol : le titre, où l'on passe plus de temps à chercher les maîtres du temps qu'à comprendre l'histoire. Donc si vous regardez cet animé, dites-vous bien que vous visualisez "L'orphelin de Perdide"

"Les maîtres du temps" relatent les aventures d'un jeune orphelin qui livré à lui même sur la planète Perdide attend qu'un ami de son pére vienne a son secours.

Esthétiquement, l'animé a certes un peu vieilli mais a le mérite d'être vu au moins une fois :

- Pour son histoire à la fois drôle et mélancolique (et stop, je m'arrête là), 

- Pour ses personnages dont certains sont attachants comment Piel, le petit garçon, On encore Silbad, le vieux baroudeur

- Son esthétique et ses dessins signés Moebius, (je pense surtout au design des hommes-oiseaux et aux créatures de la forêt des Dolongues), 

- Mais c'est surtout sa vision de l'espace temps et ses interrogations sur le paradoxe temporel, les secrets de l'univers et surtout le lien entre science et mysticisme. Car c'est là la réussite de ce dessin animé, c'est de jouer progressivement avec notre perception de l'univers. Lentement, mais sûrement, Laloux et Moebius (par le biais de l'écriture de Stefan Wul) brouillent nos sens et notre compréhension au fur et à mesure que nos héros s'enfoncent dans les confins de l'univers pour sauver l'enfant... Mais je n'en dis pas plus car je ne veux rien dévoiler.

Enfin, je ne peux que conseiller "Les maîtres du temps", par nostalgie pour ceux comme moi qui l'on découvert en 1981, et par curiosité pour ceux qui sont né plus tard.

"Les maîtres du temps", un animé de maîtres (Laloux-Moebius-Wul) pour un public passionné d'espace temps, de BD et de philo-mystique

Votre serviteur

Lorenzo Garnieri

https://lorenzogarnieri.wixsite.com/auteur